Helen Friel puede considerarse la “arquitecta del papel”.Esta londinense, diseñadora gráfica, ha realizado una exposición titulada Mirando a Euclides, en homenaje a la publicación del primer libro de los Elementos de Euclides, allá por el año 1847, por el matemático inglés Oliver Byrne, que fue de los primeros en utilizar dibujos en lugar de palabras para explicar Matemáticas. Lo que ahora se conoce como pictogramas. Este primer libro puede verse en el enlace publicdomainreview.org Les traigo una página para su disfrute:
Un edificio de planta octogonal –el octógono es símbolo de la eternidad-, construido en el siglo XII, junto a la catedral de Parma, por el arquitecto Benedetto Antelami. y es un punto de unión entre el románico y el gótico. Construido en mármol rosa de Verona –una exquisitez- parece una torre truncada. Quizás tenía esa vocación. El interior está formado por 16 arcos, cada uno con distintas escenas pintadas. La cúpula, en forma de paraguas, fue pintada en la segunda mitad del siglo XIII, con influencias de modelos bizantinos. Se divide en seis franjas horizontales concéntricas, con escenas bíblicas. Partiendo de la base encontramos la vida de Abraham (en 8 escenas); en la segunda la vida de San Juan Bautista, en el tercero, Jesucristo y la Virgen, en el cuarto los Apóstoles, en el quinto, el cielo de Jerusalén y en la última, el cielo rojo del amor eterno.
Toda una obra de arte, llena de simbolismo matemático por doquier y una minuciosidad digna de científicos aplicados en la arquitectura. Polígonos, esferas, arcos,….geometría pura. Una joya. AMJ
Nota: En esta foto hemos visto la foto "trucada" de la cúpula pintada en espiral. Véanla. Distorsionada, pero ¿también bella?
Aunque en italiano(pueden activar los subtítulos en español) vean un vídeo de esta maravilla:
Ya os habréis dado cuenta que en este blog matemático nos gusta , nos encanta y deleita el arte. De todo tipo. Pero fundamentalmente en sus relaciones con la Ciencia Matemática. Ya estudiábamos en el apartado Especiales a La Alhambra,la más bella joya geométrica y arquitectónica,pero hoy hemos visto sobre La Alhambra en el portal Ocholeguas La Alhambra y el Generalife desde otra perpectiva. Sencillamente es genial. Ya lo hemos escrito casi todo. Pero estas vistas en 360º en HD son maravillosas, con planos de todas las estancias de los patios nazaríes. Además interactivo. El no va más. El súmmum. Para enlazarlas directamente en Ocholeguas.com o pinchando la foto. El trabajo lo firma el genial Luis Davilla.
Disfruten de estas imágenes bellísimas. Parece que estamos allí. AMJ
No fue el primero. No. Kandinsky, como él mismo vaticinaba –en su libro “De lo espiritual del arte”- no fue el primer artista de la abstracción. Había por ahí una sueca que mantuvo escondida su pintura hasta 20 años después de su muerte, y en 1986 fue expuesta por primera vez. Se trataba de Hilma af Klint.
El Museo Picasso de Málaga nos trae ahora una exposición extraordinaria y única, titulada “Hilma af Klint. Pionera de la abstracción”, formada por 214 obras de la excepcional pintora sueca, para gozo y deleite de malagueños y visitantes. Hasta el 9 de Febrero podemos visitar la ambiciosa muestra, después de haber pasado por Berlín y Estocolmo, que fue pintada para que se disfrutara ahora, y eso es lo que quiso Hilma: esconderla y que se apreciara en el futuro. Intentaba ver –al igual que otros creadores de arte abstracto- “lo visible de lo invisible”, al ser ella únicamente la conductora del hilo artístico: una especie de médium, que servía de intermediaria entre su espíritu y ella. “Sólo obedecía órdenes” y las ejecutaba pintando. Para ello asistía a sesiones de espiritismo y todo tipo de experimentos parapsicológicos que le ayudaran a conectar la espiritualidad y la realidad. Estas experiencias fueron muy comunes a los artistas de esta especialidad.
Estudiemos un poco su biografía. Es evidente que fue una artista adelantada a su tiempo. Nacida en 1862, en1906 desarrolló el lenguaje abstracto, bastantes años antes que los grandes Kandinsky, Mondrian o Malevtj, considerados los precursores del mencionado arte abstracto. Al menos dos años antes de la primera pintura abstracta, aparecida ahora, de Kandinsky. Estudió en la Escuela Técnica de Estocolmo y hasta 1908 su pintura podría considerarse como naturalista, que abandonó para dedicarse a la pintura no figurativa o abstracta. Nunca llegó a exponer este tipo de pintura- de la que se conocen más de 1000 obras, la mayoría de grandes dimensiones- , sólo los paisajes y retratos. El interés por las matemáticas, por la física y, en general, por la ciencia, le vino de su padre –comandante naval y aficionado a las matemáticas-, y con otras cuatro mujeres formó el grupo de “Las Cinco” -De Fem-, grupo que compartía sus ideas. Mantuvo una posición inequívocamente feminista: ni se casó ni tuvo hijos. La invención geométrica fue una constante en la mayor parte de su obra, al igual que en sus composiciones geométricas son equilibradas y armoniosas.
Su vida misteriosa y apasionante ha sido objeto de estudio de multitud de historiadores de arte. La muerte de su hermana pequeña tambaleó los cimientos de la artista, optando por el esoterismo y otras “artes ocultas” para poder “comunicarse” con su hermana. No era esquizofrénica, pero ostentaba una doble vida “casi perfecta”. Pintaba unas cosas y las vendía y la parte abstracta –creada cuando entraba en trance- , la escondía. Hasta 1986, 42 años después de su muerte no se vio su obra. Concretamente en el Museo de Los Ángeles, que realizó una exposición. Con ella, las matemáticas y el arte siguen unidas, y que no debieron separarse nunca. Malditos estos programadores educativos que separaron Ciencias y Letras, Física y Arte, Matemáticas y Dibujo,….
Su nacimiento a finales del XIX, en Suecia -fuera de los circuitos artísticos dominantes: París, Berlín, ...- y el ser mujer, arrinconaron a la espléndida pintora, pero la Historia le ha devuelto el sitio merecido: la cumbre de la pintura abstracta. No siempre la Historia hace justicia con "sus pisoteados": algunas veces es necesario buscar debajo de las alfombras para encontrar lo bueno, lo auténtico y lo verdadero. No siempre se consigue, pero es labor de estudiosos y expertos, el dar con ellos. Pero Hilma lo ha conseguido, aunque tuvo que pasar un siglo.
Desde tiempos prehistóricos el hombre se ha paseado por esta piel de toro que es España, datándose el más antiguo como el hombre de Orce( ¡apuntan a cientos de miles de años de antigüedad!). El punto de paso entre Europa y África hace que, aquí en Andalucía, se afincaran los primeros homínidos europeos. Ya en el Neolítico tenemos aquí en el Sur vestigios claros de su presencia, como el dolmen de La Pastora en Valencina de la Concepción, en el Aljarafe sevillano.
Los pueblos prerrománicos que poblaron el Sur y el Este de la península ibérica fueron llamados por los escritores griegos, desde al menos el siglo VI a.C., como los íberos. Así los distinguían del resto de los habitantes de la península, al poseer una cultura y costumbres diferenciadas del resto, incluyendo lengua y escritura común en la mayor parte de los territorios, aunque con algunas variantes específicas del lugar o región de los asentamientos.
Bueno: ¿qué hacemos en un blog de matemáticas hablando ahora de los iberos? Pues hacernos eco de una exposición que hay en Sevilla hasta final de Octubre. Su titulo: Íberos, nuestra civilización antes de Roma, de la Obra Social de la Caixa y la Fundación Cajasol. Ampliamente desarrollada, la exposición nos acerca los rasgos fundamentales de la cultura íbera, su arte, la cerámica, su organización económica y social, su vida diaria, sus creencias religiosas,.. todo ello bastante conseguido. Y nosotros, que vamos viendo matemáticas por todos lados, también las hemos visto en esta exposición.
La decoración geométrica de la cerámica íbera, digna del mejor artista griego. Seguro que el comercio con los fenicios y los griegos enriqueció el arte íbero, tanto en la obtención de piezas de cerámica como en su decoración. Así traemos decoraciones con circunferencias concéntricas, espirales ¿sinusoides?,…
Si pueden, acérquense. Merece la pena: disfrútenla. Además es gratis. Cultura gratis, que ya va quedando poca. AMJ
Después de husmear por esos mundos blogueros, recalamos casi siempre en algunos que tienen mucha calidad. Se trata hoy del estupendo Turismo matemático , un blog de matemáticas y arte de Ángel Requena, hacedor de otros muy interesantes como Mirada matemática, Literatura matemática,…Todos ellos extraordinarios. El motivo de todo esto ha sido una entrada muy curiosa: un cuadro titulado Conflicto entre ciencia y matrimoniodel pintor alemán Georg Melchior Kraus (Frankfurt 1737, Weimar 1806), que puede verse en el Museo Nacional Alemán de Nüremberg.
La trifulca que se origina acaba con los documentos científicos e instrumentos de medida por los suelos y con “agarrones” prohibidos –al menos, en la actualidad-.
Traemos de este pintor también otro cuadro titulado “La lección”, que por su motivo educativo, lo sumamos a esta entrada, al menos curiosa. AMJ
En algunos momentos hemos traído por aquí algunos cuadros con reminiscencias matemáticas, de los que hay muchos. Traemos hoy uno especial. Se trata del cuadro Euclides de Megara se viste de mujer para escuchar las lecciones de Sócrates en Atenas. Y el pintor: Domenico Maroli(1612, 1676), un pintor siciliano, casi desconocido por estos lugares. En el cuadro, a la izquierda se ve una figura femenina que se dirige a Atenas, que podría ser el mismo Euclides. En el centro del cuadro, Euclides es ayudado a vestirse de mujer. El disfraz era necesario porque Atenas había prohibido a los habitantes de Megara, aliados de Esparta, acceder a la ciudad y a los puertos de la zona, causa de las guerras del Peloponeso.
En el estudio donde se viste hay libros, una brújula, un reloj de arena, y un reloj cilíndrico. Además de un globo terráqueo, una esfera armilar, un compás, un transportador de ángulos, un telescopio en la ventana y un reloj de grandes dimensiones. Estos instrumentos aparecen, porque se confunde -en la época medieval- al gran Euclides –que vivió en Alejandría entre el 325 y el 265 a.C.- con el filósofo Euclides de Megara.
En la página canesso.com podemos ver información detallada sobre la obra(¡con un zoom espectacular!) y otras más del artista. AMJ
¡Pero qué injustos somos en esta tierra! Os preguntaréis a qué viene todo esto. Pues a que cualquiera que sobresale en esta tierra hay que machacarlo. Sea artista, deportista, escritor,… Primero le ayudamos un poco para subir: el clásico empujón. A algunos ni eso. Y cuando ya conseguimos, o consiguen, que estén en la cima –o cerca- nuestra labor es que se baje del pedestal. Por sí solo, por las circunstancias, o por nuestra ayuda. Y que bien se siente el personal. Dicen “Yo lo sabía”. ; “Pero ¿cómo ese, el hijo de la Juani, iba a llegar hasta allí?”; “Que si ha abandonado la ortodoxia” y otras similares. Esto viene a cuento por nuestro gran artista que traemos hoy por aquí. El único y gran singular Guillermo Pérez Villalta.
Nuestro gran artista gaditano –como el que esto escribe- de Tarifa (Paraíso entre dos mares: "la mare que parió al poniente y la que parió al levante”) se ha convertido en uno de los pintores posmodernos más representativos. Pero no sólo eso, también ha brillado en otras disciplinas: dibujo, la escultura, la arquitectura, la cerámica, …
¿Por qué traemos a un pintor a este blog? Pues como él mismo dice: “Soy un pintor geométrico, lo único, es que todo revestido” La composición de las formas y la armonía son una característica de sus obras. Tiene un don especial: “Geometriza” todo lo que ve. Sus cuadros geométricos los adorna espectacularmente y como él dice:” jugaba muy de niño con las baldosas decoradas de los viejos suelos hidráulicos de la casa familiar”. A algunos nos parece que en alguna de sus composiciones hay una influencia de la pintura de Dalí, que añade vistosidad y colorido a la disposición de sus obras.
En esta entrevista pueden ver su maestría en trazados geométricos:
Actualmente expone en el CAAC de Sevilla El souvenir de la vidauna colección propia que el artista ha dejado para su disfrute personal. Posee la mayor colección y más seleccionada de su obra y todo ello lo lega –con condiciones- a este Centro de Arte Contemporáneo de Sevilla, que expone- 250 trabajos- sólo una parte de su donación. Ver críticas sobre esta exposición en El Cultural, y amplia documentación en caac.es de Óscar A. Molina y las cartelas de la exposición. Ver igualmente una excelente entrevista en tendenciasdelarte.com.
Pues después de todo esto, los museos de Arte Contemporáneo siguen casi vacíos. Un artista de este tamaño y una donación de esta envergadura pasan casi desapercibidas para el público - incluso el culto-. Su acto de generosidad es de tal calibre -puede ascender a unos cinco millones de euros-, que por sí solo valdría la máxima consideración pública
.
Pero como decíamos al principio: ¿quién será éste? Y en ninguna escuela se habla sobre su vida , su obra, su grandeza y su dignidad. Y así nos va. Y nos seguirá yendo. Mientras tanto los programas basura de todas las televisiones de España están llenas de saltimbanquis que no han dado un palo al agua, Pero en fin: es la época que nos ha tocado vivir. AMJ
Podríamos en estos temas abrir muchos flecos y posibilidades. Desde la decoración geométrica en telas y diseños de vestidos hasta la confección y decoración de alfombras. Traemos hoy un arte de hace siglos: la tendencia humana de decorar la madera. Cuando ello se hace incrustando distintos materiales: metales, nácar,… se le llama taracea, que basándose en arte geométrico adornan utensilios –o muebles- de madera de forma inigualable. En ello son unos maestros los artesanos granadinos, que fieles a las tradiciones musulmanas han conservado este arte desde tiempo inmemorial, quizás desde Mesopotamia, 3000 años a.C.
Traemos esto hoy por aquí por el premio concedido a uno de ellos, Jesús Molero. La Junta de Andalucía le ha otorgado la Carta de Maestro Artesano de la Comunidad Autónoma de Andalucía, aunque ya poseía desde 2008 el Premio Nacional de Artesanía. De familia artesana de la taracea y múltiplemente premiada, es uno de los pocos artesanos que se dedican a este menester, y que ha sido seguido por investigadores de Atapuerca por su manera primitiva de usar los materiales –como el hueso, entre otros,- y su tratamiento para hacerlos útiles.
Su descanso del taller lo utiliza para hacer bocetos, nuevos entramados geométricos, diseños geométricos innovadores. De él sólo se puede decir que es un artista de los pies a la cabeza. Ha trabajado no sólo restaurando elementos patrimoniales en España, sino que su labor la ha trasladado también fuera de nuestras fronteras: París, Qatar, KSA, USA,.. entre otros. Reseña en Granadahoy.com y taraceadegranada.es .
Artesanos, artistas, geómetras, estudiosos, todos unidos para dar a luz esta belleza sin igual, ya sólo posible en Damasco- dudamos que después de la guerra continúe esta actividad- y Granada. AMJ
Las deformaciones reversibles de las imágenes son los anamorfismos, que en el fondo son ilusiones ópticas, que ya desde la antigüedad, Grecia antigua incluida, han buscado los artistas de todas las materias para acercar su obra a la población. Los anamorfismos juegan con la perspectiva: unas producen imágenes tridimensionales pero dibujadas en el plano, como lo hacen los artistas Aakash Nihalani (ya visto aquí en Matemolivares) o el británico Julian Beever; pero otros hacen lo contrario, interviniendo en el espacio tridimensional crea arte en el plano. En esta segunda opción tenemos a Felice Varini, un “Artista Óptico” afincado en París, de origen suizo.
El artista interviene en pequeños o grandes espacios: “en general, cualquier espacio arquitectónico. Trabajo “in situ” cada vez en un lugar diferente y está relacionado con los espacios que encuentro”.
Actúa arbitrariamente después de mucha observación, quizás excesiva. Transforma la geometría, a veces rígida, que se encuentra, descomponiéndola en varias obras, simultáneamente. En la serie de fotografías que hemos incluido en esta entrada podemos apreciarlo. Vean también su muy completa y atractiva página web varini.org o plataformaarquitectura.cl
El arquitecto polaco israelí Zvi Hecker nació en Cracovia en 1931 y se ha destacado en su dilatada vida profesional por haber dejado en su obra una impronta geométrica casi inigualable. Las espirales, las asimetrías, las formas de la naturaleza acopladas a la arquitectura urbana han dejado en este arquitecto una señal inequívoca en toda su obra.
Llegó a mi conocimiento por unas fotografías de una escuela judía en Berlín -la Heinz-Galinski-Schule, de enorme complejidad- recogidas en El Mundo en un reportaje Coleccionando arquitectura y hemos continuado su estudio. El diseño que elige para esta escuela es el desarrollo del girasol: la espiral, como podemos ver en las fotos:
Comenzó estudiando arquitectura en Cracovia y en el año 1950 emigró a Israel donde terminó sus estudios en el Technion, en 1955. En el instituto de Arte y Diseño estudió pintura hasta 1957, año en el que comienza su etapa profesional.
Vive a caballo entre Berlín y Tel Aviv y enseña en Canadá, EEUU (Arlington, Washington y Iowa), Israel (Tel Aviv) y Austria (Viena). Su obra ha sido, en ocasiones, comparada con la de Antonio Gaudi, por la expresividad y por las nuevas ideas geométricas incorporadas a la arquitectura.Puede considerarse en el Top 10 mundial de la Arquitectura.
Su obra civil y religiosa ha sido extensa y siempre ”evitando el ángulo recto del modernismo internacional, se vuelve a la geometría cristalina de la naturaleza”.
Cada día nos sorprendemos menos pero que geometría y belleza van unidas no admite discusión y, para ello, estas fotografías de algunas de sus obras nos lo corroboran. AMJ
Traemos hoy unas esculturas especiales. Son unas esculturas geométricas pero con mala fama. Son unos poliedros irregulares singulares. Se trata de los obeliscos. Esculturas con muchos significados y de todo tipo, cuya realización y traslado han sido siempre muy complejos.
La mala fama les viene por haber sido objeto de robo, incautación o botín de guerra a lo largo y ancho de este mundo, y por la simbología que se le ha asignado. Hay uno que reúne todas estas condiciones. Se trata del obelisco de Aksum, al norte de Etiopía. Incautado en 1937 por las tropas de Mussolini fue trasladado a Roma para emular a los Césares. El Duce lo instaló en la Piazza di Porta Capena. La caída de un rayo sobre él –“la maldición del obelisco”- en 2002 hizo que se acelerara la devolución a su origen en 2005. Pero ¡ojo!: obelisco y fascismo es sólo una invención moderna sin sentido. Al parecer solo su forma de aguja simboliza la fuerza, la estabilidad y un rayo de sol de Ra; aunque muchos, después, lo han interpretado como les ha convenido.
(Aksum)
Hay cientos de obeliscos por todo el mundo, unos “raptados”, otros “regalados” y otros, construidos en los países donde se exhiben. Se elaboraron imitando a los utilizados en el Antiguo Egipto. Los podemos encontrar con todo tipo de alturas y materiales, aunque la mayoría son de piedra.
Obelisco de Sesostris(Heliopolis)
La palabra proviene del griego obeliskos (diminutivo de obelos: aguja) y es un pilar de sección cuadrada con cuatro caras trapezoidales iguales, convergentes, rematado en una pirámide a la que se llama piramidón. Normalmente decorado por los laterales. Los antiguos -hace casi 4500 años- se erigieron en piedra y de un solo bloque (conocidos como tehen o tejen en egipcio). Actualmente hay más de treinta obeliscos en Egipto, pero muchos de ellos fueron llevados a Roma, en tiempos del Imperio Romano -ya saben, la capital- y más adelante otros imperios también se los llevaron a sus reinos (¡los imperios han ido cambiando de lugar!). Por su importancia vamos a enumerar a algunos de ellos y a las vicisitudes de su transporte.
Uno de los más conocidos fue la pareja de obeliscos llamados las agujas de Cleopatra –sin nada que ver con la famosa reina-. Se erigieron en la ciudad de Heliópolis en Egipto, por orden de Tutmosis III, en el siglo XV a.C. Cesar Augusto los trasladó a Alejandría en el año 12 y en el siglo XIX se transportaron a Londres uno de ellos y el otro a Nueva York. Están esculpidos en granito rojo, miden alrededor de 21 metros de altura y pesan unas 180 toneladas.
El que está en Londres, fue un regalo de Mehemet Ali en 1819, después de la victoria sobre los franceses en Alejandría en 1801 aunque permaneció en la ciudad hasta 1877, año en el que se encontró la financiación para su transporte. Se construyó un barco especial para ello –el Cleopatra- que fue remolcado por un vapor, el Olga, que “lo perdió” en una tormenta en el Golfo de Vizcaya y encontrado por el vapor ‘Glasgow’ que lo llevó hasta Inglaterra en Enero de 1878, llegando hasta Londres el 12 de Septiembre de ese año. Después de varios intentos de colocación en distintas partes de la ciudad, que fueron desechados por su imposibilidad, fue colocado en el embarcadero Victoria en el Támesis. Ver inscripciones y fotos en Egipto.com/Obeliscos.
(Londres)
El de Nueva York está en Central Park. Fue regalado por Ismail Pasha en 1869 después de la apertura del canal de Suez. Vanderbilt financió el transporte, llegó a la Estación Quarantine de Nueva York el 20 de Julio de 1880 y fue tirado por 32 caballos por las calles –durante 112 días, a razón de 30 metros diarios- e instalado definitivamente en el parque el 22 de Enero de 1881. Ver inscripciones y fotos de la época en Egipto.com/Obeliscos.
(Nueva York)
El obelisco que está en París, en el centro de la plaza de la Concordia, es conocido como el de Luxor, al provenir de ese templo en Egipto. Cuenta la leyenda que Josefina le dijo a Napoleón, allá por 1798: “..si vas a Tebas, me traes un obelisco…”. Sus deseos fueron órdenes, pero perdió las batallas decisivas y ello se aplazó hasta más tarde, aunque ya Napoleón no estaba, evidentemente. Fueron regalados por Mehemet Ali en 1830, pero los franceses solo “se tomaron” uno de ellos –el que estaba a la derecha y más pequeño- de los que estaban delante del templo de Luxor. Un barco creado especialmente para ello cargó el monolito en Diciembre de 1831, bajó el Nilo en Agosto de 1832 y llegó a París en Agosto de 1834 remontando el Sena. Mide 23 metros y pesa 230 toneladas y terminó de colocarse en su lugar definitivo el 25 de Octubre de 1836, con ayuda de máquinas elevadoras creadas ex profeso para la ocasión. El segundo obelisco –que no llegó a salir de Egipto- fue “devuelto” por François Mitterrand en la década de los ochenta. Ver fotos e inscripciones en Egipto.com/obeliscos.
(El de la Concordia en París y el de Luxor)
En Roma hay varios -8 de origen egipcio y 5 de origen romano-, pero es el de la Ciudad del Vaticano el que vamos a describir (¡ha sido el motivo de esta entrada!). En estos momentos de inflación de lugares vaticanos -¡Vaticano por todos sitios!- el obelisco que se erige allí, en la Plaza de San Pedro, también tiene su historia.
Vaticano
Fue levantado por Augusto en Alejandría, donde estuvo hasta que en el año 37 Calígula se lo trae de Egipto, como trofeo de guerra, una mole de 350 toneladas y 25 metros de altura y 4000 años de antigüedad y lo coloca en el circo de Nerón. El Papa Sixto V lo traslada definitivamente frente al Vaticano, ya en el siglo XVI, en su plan por embellecer Roma. Este traslado duró un año, realizado por Doménico Fontana- que construyó la Biblioteca Vaticana-; para el que necesitaron 900 hombres y 150 caballos e innumerables cuestiones técnicas que debieron solventar: matemáticas y logísticas.
Ello quedó reflejado en el libro Della trasportatione dell’obelisco Vaticano et delle fabriche di Nostro Signore Papa Sisto V(1590). Al principio tenía en su cúspide una esfera, pero más adelante es una cruz sobre una estrella que culmina la pétrea estructura. Pero hay más. Al parecer es un reloj de sol, tal como lo hicieron en la antigüedad.
Ya los primeros egipcios utilizaron los obeliscos como relojes de sol, para indicar el mediodía, el día más largo del año y el más corto, según su sombra. Pero solo hasta el siglo VIII a.C. empezaron a medir las horas. Fue en la Roma de Augusto cuando un obelisco (de 22 metros de altura y 230 toneladas) servía de gnomon al reloj de sol “Horologium Augusti”, que fue incautado en Egipto y que aún permanece delante del Parlamento Italiano, en la plaza de Montecitorio. El Horologium Augusti fue el mayor reloj de Sol del mundo antiguo.
Además de en otros lugares y en otros tiempos también se esculpieron obeliscos. Los romanos fueron “casi” especialistas, copiando el estilo egipcio; de ellos tenemos el Agonalis de la plaza Navona en Roma, que mide 16,5 metros, en tiempos de Domiciano. En la edad contemporánea se construyeron por todo el mundo. Por ejemplo citaremos: los de Villa Tolonia en Roma (1842), en Monumento de Washington, en la capital de EEUU(1848-1888), que mide 169,29 metros de altura -segundo más alto del mundo-, el de la plaza Maracaibo en Venezuela (1945 y 45 m. de altura), el de Buenos Aires, Argentina(1936 y 67,5 metros de altura), el Monumento de San Jacinto, Texas(1936 y 173,7 m., el más alto del mundo) o el de Ayacucho(44 metros).
(Washington y Buenos Aires)
En España tenemos varios, pero por lo que sabemos, ninguno robado ni “extraditado” (algunos imperios no roban, extraditan legalmente las obras de arte. ¡¡Ojo: los españoles también lo hemos hecho, pero en este caso de los obeliscos nos hemos comportado!!). Aquí en España también tenemos algunos. Recordémoslos: el Obelisco de la Candelaria en Tenerife (1768 y 11m.), el de los Cantones en La Coruña(1895), el Cinc d’Oros en Barcelona(1936 y 67,5 metros), el de Cádiz (1954 y 12 metros), el pequeño como homenaje al general Torrijos en la plaza de la Merced de Málaga(1842), el de la plaza de Europa de Zaragoza(1990, 35 metros, de hormigón) y otro en La Coruña, el Millenium( de 2001 y 46 metros). Alrededor de donde vivimos tenemos algunos menos ambiciosos: Guillena, Fuengirola,....
(Barcelona, Cádiz,Malaga,Fuengirola)
De los últimos construidos ha sido el de Caja Madrid- que visto lo visto, ¡hemos pagado todos los contribuyentes!- por el arquitecto Santiago Calatrava. Pero no es un obelisco, aunque en Madrid se le conoce por ese nombre, ya que se trata de un cilindro de 92 m. de altura y 2m. de diámetro. Este es imitación de una que hay en Rumanía, al que se le conoce con el nombre de la Columna del infinito. Incluso tenemos uno que permanece todavía en las canteras. Se le conoce como el inacabado de Asuán. Se encuentra en las canteras al norte de la ciudad, aunque resquebrajado. Iba a ser la pareja del de Karnak, que está ahora en Roma. Hubiera sido el más grande del mundo.
Asuan
Terminemos con una nota humorística: Obélix el inseparable de Astérix, debe su nombre a la forma de su cuerpo (obelisque). Admiremos a estos poliedros gigantescos , ya que tenemos pocas ocasiones de admirar esculturas geométricas y olvidemos su mala prensa. AMJ
Hoy 8 de Abril se cumplen los 40 años de la muerte del pintor malagueño Pablo Picasso –al que le debemos una entrada en este blog- en la ciudad francesa de Moulins. El pintor estadounidense Motherwell dijo ”el mejor pintor del siglo XX Matisse y el mejor artista, Picasso”. Eso fue: el mejor y el más completo. Pintor, grabador, escultor, ceramista, dibujante: el icono de un siglo y el más influyente. Hay artistas que inventan el arte: Picasso fue uno de ellos, un revolucionario (El Mundo le dedica un completísimo especial, que enlazamos aquí: Picasso, el artista).
Con una capacidad creativa sin igual, genial en todos los momentos de su vida. Un talento sin comparación y su actividad pictórica durante ochenta años -el más prolífico, se cree que produjo alrededor de 30.000 obras- le llevó a experimentar, redescubrir e inventar todo tipo de técnicas que solo un genio pudo imaginar. Sí un genio. Menospreciado por antagonistas políticos en esta España cainita, pero un genio sin igual. Uno de los más grandes que ha dado España a la humanidad. Un malagueño universal, del que nos sentimos orgullosos todos los andaluces y españoles. Otro más.
Pero todo genio lo es porque inventa algo nuevo, crea un camino distinto, una trayectoria diferente, novedosa y a la vez inalcanzable. Y eso hizo Picasso: creó el cubismo. Un movimiento que él encabezó. Un movimiento que desprecia la perspectiva y trata las formas de la naturaleza con figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Esta es la esencia del cubismo. Aparecer al mismo tiempo y en el mismo plano distintas vistas del mismo plano: de frente y de perfil. Sin un punto de vista único. Solo un genio lo pudo crear. Desde el punto de vista matemático la definición de cubismo podría simplificarse así: “…de un cubo 3D como máximo podemos ver 3 caras; un ser 4-dimensional podría ver los 6 lados a la vez. El cubismo –Picasso- lo que hizo fue deconstruir el cubo 3D en 6 facetas. Luego pintarlo en 2D y verlo como si estuviéramos en la cuarta dimensión…”.
Tanto Einstein como Picasso fueron los máximos exponentes de la creatividad del siglo XX. Ambos revolucionaron la ciencia y el arte, uno la Física y otro la Pintura, y ambos inspirados en el gran matemático francés Henri Poincaré(es una tesis de A. Miller).
Como decíamos al principio, ya estamos creando una entrada al genio de la plaza de La Merced de Málaga. Desde aquí nuestro reconocimiento como artista y como persona comprometida con sus semejantes. AMJ
El estudio de arquitectura Mad Architects diseña edificios basándose en la interpretación del espíritu oriental de la naturaleza. Con base en Pekín y Tokio, es en China donde más trabajos ha realizado. Hemos visto en estos edificios algo que no hemos apreciado en otros: la conjugación simultánea de geometría, belleza y utilidad, acompañadas de modernidad y originalidad. El edificio que en principio nos llamó la atención fue el Sheraton Hotel en el lago Tai, en China. Un edificio alucinante, de 321 habitaciones, con una estructura espectacular: parece un ‘toro’ inacabado, que se refleja en el agua para parecer un “ocho”.
Después hemos visto algunos otros, de los que dejamos fotografías espectaculares. Todos ellos obras maestras que pasaran a la posteridad. Me parecen extraordinarios. Creo que sin discusión.
Pintor y escritor portugués (1893-1970) era oriundo de Santo Tomé y Príncipe y fue un artista clave en el arte moderno en Portugal. De obra prolífica tanto poética-incluso novela y teatro- como pictórica, su amistad con Fernando Pessoa fue providencial en su vida-como curiosidad: murieron en la misma sala del hospital, aunque 35 años después-. Vivió 6 años en España, donde fue amigo de Ramón Gómez de la Serna. Su Manifesto Anti Dantases un vehemente alegato contra la burguesía portuguesa retrógrada, opuesta a la vanguardia que él representaba.
Su producción artística fue influenciada por el cubismo y por el futurismo, y fue considerado como un maestro del dibujo, por el inconfundible trazo geométrico que caracterizaba los objetos y figuras de sus cuadros.
Este cuadro de su amigo-“Retrato de Fernando Pessoa”- refleja completamente su pintura geométrica .El libro que aparece en la mesa con el nº2 es el segundo número de la revista literaria "Orpheu", fundada por ambos. Por cierto Fernando Pessoa afirmaba de la ciencia matemática:” El binomio de Newton es tan bello como la Venus de Milo. Lo que hay es poca gente que se dé cuenta de ello.” Ello corrobora su amistad:dos personalidades sensibles ante la belleza, la ciencia y el arte.
Fue un artista completo, dedicándose desde los tapices a los murales, desde los dibujos animados hasta los mosaicos y azulejos pasando por el vidrio grabado. Sus pautas vitales fueron la belleza y el conocimiento. Se le atribuye la frase “la belleza no puede ser ignorante ni estúpida ni la sabiduría puede ser fea y triste”.
Sus temas principales fueron el número y la geometría y sus significados. En sus últimos trabajos reflejó, como nadie, la abstracción geométrica, matemática y numérica. Contribuyó, más que nadie, a la creación, el triunfo y el prestigio de la modernidad artística en Portugal.
Sergio Cerchi es un pintor italiano nacido en Florencia, donde vive y trabaja. Estudió música en el Instituto Cherubini. Comenzó a pintar a los 15 años utilizando distintas técnicas hasta encontrar la senda artística propia y que le ha llevado a la cima del arte italiano.
Los números y la geometría forman parte fundamental de su interpretación de la realidad. Sus comienzos están colmados de cuadros de paisajes y vistas, llegando más tarde casi al cubismo; para cambiar posteriormente a otras posiciones en donde los colores se han suavizado y sobre todo que en su obra las figuras emergen claramente. Al pintor florentino le llegan influencias renacentistas, que plasma en su obra última. La galería Ágora dice de él: “trabaja en el cuadranteismo, un estilo único por el que la superficie pictórica se fractura, se multiplica y se ejecuta con diferente iluminación y colorido.”
El programa Crónicas de Televisión Española está enfocado al estudio de la realidad de nuestro país, y en muchos casos ha servido y sirve como refuerzo pedagógico en nuestra labor cotidiana. Traemos hoy aquí un clip de un minuto sobre un reportaje de casi una hora que será emitido el próximo 17 de Enero (lo subiremos cuando sea posible) titulado “Alhambra, el manuscrito descifrado” en el que los responsables del documental, entre otras, nos afirman: El código oculto de las palabras y de la geometría esconde la verdadera esencia de la Alhambra, en un programa donde exploran la geometría del monumento que fue el lenguaje de la belleza y el poder.
Desde estas páginas debemos una entrada, que está en elaboración, sobre Matemáticas en la Alhambra, el monumento más visitado e importante de España; en este año que se cumple el milenio de la fundación del reino musulmán de Granada.
El clip que traemos se titula: Matemáticas para rezar en la Alhambra. Corto pero intenso. AMJ
El segundo video que colocamos es el del programa emitido el 17/01/2013.
Uno de los máximos exponentes del arte contemporáneo andaluz expone estos días, hasta el 27 de Enero, en Sevilla en la Casa de la Provincia. Se trata de Antonio Sosa (Coria, 1952), que nos ha traído un laberinto de simetrías, encadenados, espirales, los surcos como paralelas curvilíneas … que es una parte de su trabajo de la última década.
Como dice en el blog limitainei.blogspot.com: “Curvas, círculos, acumulación de objetos que en su flotar por el lienzo hacen más evidente la profundidad que éste detenta. Luego, la presencia de una figura central, subsumida en esa masa de espacios y dimensiones, hecha de curvas y redes, de formas y ausencias concentra la atención del espectador, por el instante que otorgamos a la evocación”. Geometría curva pura.
Ha expuesto en Berlín, Lisboa y Nueva York y en muchas ciudades españolas como Madrid, Barcelona, Sevilla,... Sus obras cuelgan entre otros lugares en el centro Martin Luther King de Ohio, en el museo Reina Sofía de Madrid, la Fundación la Caixa, o en el CAAC de Sevilla.
Los que vemos Matemáticas por todos sitios también las hemos visto hoy en estos cuadros de un desconocido, evidentemente para nosotros, pero genial y maravilloso Antonio Sosa.
Hoy 6 de Diciembre, Día de la Constitución en España, ha muerto uno de los más grandes arquitectos que ha dado la humanidad: Óscar Niemeyer. A los 104 años, lúcido hasta sus últimos días, trabajador incansable y genio de la arquitectura, indiscutible. Hoy es portada en todos los grandes medios de prensa y televisión mundiales, y en todos ellos han sido unánimes los elogios a una obra completa, distinta y extraordinaria. "El Maestro de la curva", como ha sido denominado en algún medio. Seguidor de Le Corbusier, este arquitecto brasileño, Río de Janeiro 1907, es uno de los arquitectos más influyentes de la arquitectura moderna y pionero de la construcción artística con el hormigón armado.
(Catedral de Brasilia) La construcción de Brasilia en los años 60 ha quedado para la posteridad y algunos edificios en esa nueva capital de Brasil han quedado como iconos de la arquitectura moderna: el Congreso Nacional de Brasil, el Palacio de Planalto y el de Alvorada o la Catedral de Brasilia. Fue también uno de los responsables de la sede del edificio de la ONU en Nueva York.
(Congreso Nacional de Brasil)
En su juventud fue un bohemio carioca, con lo que ello comporta en una ciudad como Río de Janeiro. Tal es así que no terminó la educación Secundaria hasta los 21 años, e ingresó en la Universidad, después de contraer matrimonio y “haber sentado la cabeza”. Por lo que aquello de "una juventud disoluta, una madurez mediocre", no siempre es cierto; y he aquí el ejemplo. Se graduó como ingeniero arquitecto en 1934 y después de años pululando por varios estudios arquitectónicos, casi gratuitamente, encontró un hueco en la arquitectura de su país donde sobresalir.
(Iglesia de San Francisco de Asís. Belo Horizonte)
Él mismo decía en cuanto a la arquitectura que eligió:”No es el ángulo recto que me atrae, ni recto, duro, inflexible, creada por el hombre. Lo que me atrae es la curva libre y sensual, la curva que encuentro en las montañas de mi país en el curso de sus ríos serpenteantes, las olas del mar, el cuerpo de la mujer preferida. Curva se hace todo el universo, el universo curvo de Einstein. " Y esta sentencia es la que ha quedado patente en toda su obra. La construcción de la iglesia de San Francisco de Asís en Belo Horizonte lo catapultó al estrellato nacional como un gran arquitecto. Ya en 1945, con cierto prestigio como arquitecto, se afilió al Partido Comunista de Brasil, lo que le trajo no pocos sinsabores y enemistades.
Lo cierto es que mantuvo un compromiso con sus conciudadanos que queda patente en:"
“El papel del arquitecto será luchar por un mundo mejor, donde pueda hacer una arquitectura que sirva a todos y no sólo a un grupo de hombres privilegiados”. Ello ha hecho que en estos días con motivos de su muerte las muestras de condolencia han partido de todos los estamentos del país, casi unánimemente considerado como "un hombre bueno".
(Memorial de América Latina, Sao Paulo)
En 1956 Le Corbusier gana el concurso para la construcción de la nueva capital de Brasil y Niemeyer es invitado a colaborar y queda a cargo de los proyectos de los edificios de la nueva ciudad. En poco tiempo Niemeyer diseña múltiples edificios públicos: palacios, residencias presidenciales, edificios del Congreso y Senado, la Catedral, edificios de Ministerios y la sede del gobierno de Brasil. Lo más asombroso de todo es que la ciudad fue inaugurada en cuatro años: increíble. Una capacidad de trabajo, diseño, y actividad creativa casi insuperables. Sobre todo viendo la calidad de los edificios que construyó, alguno de ellos como la Catedral, impactante y bella por los cuatro costados. Así en 1963 gana en la URSS el Premio Lenin de la Paz. Le Corbusier le dijo una vez al artista brasileño: “Oscar, tú tienes siempre en los ojos las montañas de Río. Con el hormigón construyes el Barroco”.
(Universidad de Constantine – Argel – Argelia)
Un hecho determinante para su vida fue el derrocamiento del presidente electo de Brasil y la posterior dictadura militar. Su oficina fue asaltada, sus proyectos rechazados, los clientes desaparecieron y ¿cómo le llamamos a esto?: persecución. Otros de los perseguidos por sus ideas políticas, que frenó su carrera artística y le obligó a exiliarse, eligiendo para ello París. Un ministro de Brasil, el de Aeronáutica, dijo a propósito de ello: “Un arquitecto comunista donde tiene que estar es en Moscú”, con lo que cataloga a quien lo pronuncia, sin lugar a dudas.
(Mezquita de Argel)
(Memorial JK)
Su nueva residencia en Europa abre una nueva era en su vida y en su obra. Construye la mezquita de Argel, el Pestana Casino Club en Funchal o la Mezquita de Penang (Malasia). Finalizada la dictadura de Brasil, en los años ochenta, Niemeyer vuelve a su país y comienza “el inicio de la última fase de su vida” y construye entre otros edificios el Memorial JK en Brasilia, los sambódromos de Río de Janeiro y Sao Paulo y el Panteón de la Patria en Brasilia.
En 2007 inaugura el Teatro Popular Óscar Niemeyer de Niterói, obra dedicada a Brasil. Todas estas últimas obras siendo ya centenario: un prodigio de la naturaleza y de la calidad artística. Le queda tiempo para regalar a Asturias, en la ciudad de Avilés, un lugar para le educación, la cultura y la paz. Se trata del Centro Cultural Internacional Óscar Niemeyer, un edificio que resume la la arquitectura del artista brasileño (¡¡de vergüenza toda la polémica surgida últimamente alrededor del edificio!!).
(Centro Cultural Internacional, Avilés, Asturias)
También en los últimos años de su vida se dedicó a la escultura y, sobre todo, a retocar algunos de sus proyectos. Al cumplir 100 años el gobierno ruso le condecoró con la orden de la Amistad. En 2008 presenta el proyecto Puerto de la Música en Rosario (Argentina) y en 2009 construye el Auditorio de Ravello (Italia). Numerosos premios y condecoraciones ha recibido por todo el mundo y por todo tipo de instituciones, como reconocimiento a su obra y a su colaboración con la educación, la cultura y la paz.
(Edificio Copan, Sao Paulo)
La geometría y la arquitectura son inseparables. Óscar Niemeyer eligió la línea curva: le declaró la guerra al ángulo recto; en su obra está de sobra la escuadra y el cartabón, está llena de líneas curvas, parábolas, cónicas, espirales,…. Según en qué edificios utiliza una u otras, así en unas son ovaladas, celulares o angulosas; o por ejemplo en la Catedral de Brasil las geometrías predominantes son las hiperbólicas (¡incuestionables!), circulares, ondulares y espirales. Siempre entendió que la arquitectura es algo que debe provocar emociones y transmitir sensaciones. Podemos terminar afirmando que la obra de Óscar Niemeyer es una exposición mundial de una simbiosis de geometría y de los lugares donde las “colocó”. Algunos edificios suyos aparecen en las listas de los más bellos del mundo.
Su longevidad nos ha permitido disfrutar de una obra extraordinaria y abundante. Junto a otros arquitectos y a sus obras, formará parte de esa corriente turística que busca en sus edificios nuevos iconos de adoración y éxtasis artístico. Descanse en paz.AMJ
En los largos paseos por las playas españolas nos hemos encontrado, en multitud de ocasiones, a verdaderos artistas callejeros realizando sus obras con la arena de la playa.
Hemos visto esculturas de todo tipo y motivos, pero nunca habíamos visto algunas como éstas, con motivos geométricos tan explícitos y rotundos. Formas geométricas: cilindros,conos,prismas, esferas,... Se trata de Calvin Seibert, que ha construido figuras casi imposibles, con ángulos increíbles y composiciones espléndidas.
Todo ello con un material muy difícil para trabajar: arena. Intenten en un día de playa hacer algo parecido y vean que dificultad añadida tiene el elemento que se utiliza para realizar la escultura, pero es que ¡¡ se trata de un artista!! Vean estas fotografías sobre sus obras maestras efímeras: basta un día de temporal para terminar con ellas. Ver más en Flickr o en The huffingtonpost.com. Disfruten si les gusta. Lo incluimos en Matemáticas y arte, porque para nosotros sí es arte.AMJ
Los números y la geometría forman parte fundamental de su interpretación de la realidad. Sus comienzos están colmados de cuadros de paisajes y vistas, llegando más tarde casi al cubismo; para cambiar posteriormente a otras posiciones en donde los colores se han suavizado y sobre todo que en su obra las figuras emergen claramente. Al pintor florentino le llegan influencias renacentistas, que plasma en su obra última. La galería Ágora dice de él: “trabaja en el cuadranteismo, un estilo único por el que la superficie pictórica se fractura, se multiplica y se ejecuta con diferente iluminación y colorido.”
